디자인사학회 뉴스레터 22호 - 크리스 하마모토 Archive Footnotes
디자인사학회 뉴스레터 22호 - 크리스 하마모토 Archive Footnotes
편집: 디자인사학회
인터뷰: 크리스 하마모토
진행: 홍주희
발행: 2025년 5월 15일
-
디자이너의 작가주의적 아카이브 작업을 조명하는 이번 연재 주제는 ‘그래픽 디자인 아카이브를 통한 교육 실천’입니다. 서울대학교 디자인학부 크리스 하마모토 교수님의 『Unrealized Archive(미실현 아카이브)』에 관한 이야기를 들어보았습니다.
-
Q1. 『Unrealized Archive(미실현 아카이브)』를 통해 어떤 것을 기록하고자 했으며, 실현되지 않은 프로젝트를 아카이빙하는 것이 왜 중요하다고 생각하시나요?
『Unrealized Archive』는 원래 Jon Sueda의 전시 《All Possible Futures》의 일부로 시작됐어요. 그 전시 안에는 ‘Unrealized Archive’라는 섹션이 있었고, 이는 클라이언트에게 제안되었지만 끝내 실현되지 못한 작업들을 모은 것이었죠. 저는 그 섹션을 Jon과 함께 구성했고, 이후 이 프로젝트는 독립적인 출판물 시리즈로 확장되었어요. 지금까지 약 7~8권 정도가 발간된 것으로 기억해요.
이 전시의 출발점은 디자이너 Peter Biľak이 디자인한 식물원 아이덴티티 엽서였어요. 이 아이덴티티는 엽서를 받는 사람의 지역에 따라, 그 지역에 자생하는 식물 중 식물원에 실제로 존재하는 종의 목록이 반영되어 형태가 변하는 방식이었죠. 당시에는 기술적으로 구현이 어려웠지만, 그 개념 자체가 매우 창의적이었고 새로운 사고를 자극하는 힘이 있었어요.
사실 우리 모두 비슷한 경험이 있잖아요. 여러 아이디어를 클라이언트에게 제안하면, 이상하게도 가장 덜 흥미로운 아이디어가 선택되고, 더 강력한 아이디어는 빛을 보지 못하는 경우요. 이 프로젝트는 그렇게 세상에 드러나지 못한, 실험적이고 사유를 자극하는 아이디어들을 모아 공유하고자 했던 시도였어요.
Q2. 『Unrealized Archive』작업을 하며 발견한 흥미로운 패턴이나 인사이트가 있었나요?
처음에는 '정말 실현하고 싶었지만, 어떤 이유로든 만들 수 없었던 프로젝트'만 포함하는 엄격한 기준을 두었어요. 그런데 시간이 지나면서, 처음부터 실험적이거나 상상력을 기반으로 한 프로젝트들도 점차 포함하게 되었죠.
제안서 기반의 프로젝트들은 보통 실현 가능성이 낮거나 많은 자원이 필요하고, 혹은 너무 독특해서 대중적으로 받아들여지기 어려운 경우가 많아요. 예를 들어, Mathew Kneebone은 Werkplaats Typografie 건물을 외부 전원 없이 작동하는 ‘크리스털 라디오’ 구조로 활용해 라디오 방송국으로 만들자는 제안을 했고, Tiger Dingsun은 자신이 수년간 써온 두 단어로 된 시들을 보여주는 웹사이트를 디자인했어요. 이런 프로젝트들은 비현실적으로 보일 수 있지만, 각각의 디자이너가 지닌 고유한 관심사와 가치관이 분명하게 드러난다는 점에서 인상 깊었습니다.
결국 이러한 아카이브는 ‘완성된 결과물’ 중심의 사고에서 벗어나, 디자이너가 무엇에 흥미를 느끼고 어떤 생각을 해왔는지를 드러내는 중요한 단서를 제공합니다. 실현되진 못했지만 여전히 가치 있는 아이디어들이 기록되고 공유될 수 있는 장을 마련한다는 점에서, 아카이브는 디자이너의 창의성과 사고 과정을 존중하는 또 다른 방식의 기록이라고 생각합니다.
Q3. 《미실현 아카이브 7: 텍스트에서 이미지로》 전시의 주제는 어떻게 시작하게 되었나요?
이 전시는 WRM에서 열렸는데, 『Unrealized Archive』의 연장선상에서 “AI로 전시를 만들 수 있을까?”라는 질문에서 출발했어요. 초기 기획은 참여자들이 보내준 텍스트를 기반으로 AI가 이미지를 생성해 전시를 구성하는 것이었죠. 하지만 1년 반에서 2년 전쯤만 해도 AI 생성 결과물의 품질은 지금보다 훨씬 낮았어요.
프로젝트가 진행되면서, Jon과 저는 우리가 공통으로 좋아하는 개념미술(Conceptual Art)에 대해 다시 생각하게 되었어요. 개념미술은 완성된 결과물보다는 아이디어와 그 설명 자체에 더 중심을 두는 예술이에요. 생성형 AI가 종종 시각 예술계에서 위협으로 인식되기도 하지만, 개념미술가들과 그래픽 디자이너들은 오랫동안 텍스트, 타이포그래피, 이미지 사이의 관계를 실험해왔죠.
우리는 이러한 전통에서 영감을 받아, 텍스트가 시각 작업을 이끄는 ‘촉매(catalyst)’가 될 수 있다는 생각을 바탕으로 전시를 구성했어요. 텍스트 정보나 설명이 곧 작업이 될 수 있다는 점을 실험해본 전시였죠.
Q4. 전달 매체가 웹, 책, 전시 등으로 달라질 때, 이야기 방식이나 관람자의 경험은 어떻게 변화한다고 생각하시나요?
저도 자주 생각하는 주제예요. 대학원 시절에 들었던 한 조언이 특히 기억에 남아요. 같은 프로젝트라도 어떤 매체에 담기느냐에 따라 전혀 다른 의미를 갖게 된다는 말이었죠. 그래서 학생 때는 책 형태로 만든 프로젝트를 웹사이트로 다시 구성해보기도 하고, 카드나 키트처럼 아예 다른 형식으로 바꿔보는 실험을 자주 했어요. 그럴 때마다 새로운 관점을 얻게 되곤 했습니다.
각 매체는 고유한 성질과 가능성을 가지고 있고, 디자이너가 그 차이를 직접 다뤄보는 과정은 매우 흥미로운 경험이죠. 다양한 형식 중에서도 그나마 시간 기반 미디어는 사용자의 경험 방식을 어느 정도 예측할 수 있는 편이에요. 예를 들어 영상은 대부분 순서대로 흐르지만, 책이나 웹사이트는 독자가 어디서부터 볼지 자유롭게 선택하잖아요.
그런데 요즘에는 영상조차 예측 불가능해지고 있어요. 사람들은 스마트폰으로 영상을 틀어놓고 설거지를 하거나, 동시에 다른 일을 하면서 ‘보는’ 경우가 많죠. 흥미롭게 들은 이야기 중 하나는, 넷플릭스가 최근 들어 작가들에게 화면 속 상황을 대사로 직접 설명하라고 조언한다는 거예요. 실제로 많은 시청자들이 화면을 제대로 보지 않고 있기 때문이죠.
그 결과 콘텐츠가 점점 더 단순화되거나 반복적인 형식으로 구성되기도 해요. 다소 씁쓸한 현실일 수 있지만, 저는 이런 변화 속에서도 디자이너로서 탐구할 수 있는 새로운 가능성이 분명히 존재한다고 생각해요.
Q5. 『Unrealized Archive』와 같은 디자이너 주도의 아카이빙은 교육적인 맥락에서 어떤 가치를 가진다고 보시나요?
그래픽 디자이너는 포트폴리오를 만들고, 프로젝트 제안서를 준비하거나 공모전에 출품하는 등 다양한 방식으로 끊임없이 자신의 작업을 아카이빙하고 있다고 생각해요. 하지만 이런 과정은 대부분 뚜렷한 목적을 가지고 이루어지죠. 이상화된 결과물을 보여주거나, 누군가를 설득하려는 방향으로요.
그런데 저희가 관심을 둔 것은, 그런 매끄럽게 다듬어진 표면 너머에 무엇이 있을까 하는 부분이었어요. 저는 지금 전시 그래픽 디자인 수업을 하고 있는데요, 미국에서는 그래픽 디자인 전시 자체가 상대적으로 드물지만, 한국에서는 훨씬 더 많은 전시가 열리는 것 같아요. 그렇다고 해도, 한국에서도 많은 전시들이 기록되지 않고 결국 사라지는 경우가 많죠.
예전에 ‘Reading Forms’라는 웹사이트가 있었어요. 아마도 예일대 그래픽 디자인 MFA 과정에 있던 학생이 만들었던 것으로, 전 세계의 그래픽 디자인 전시 사진들을 모아 아카이빙한 사이트였어요. 그런데 서버 요금이 더 이상 결제되지 않으면서 결국 그 사이트도 사라졌죠. 이 일을 통해 저는, 우리가 보지 못한 수많은 디자인 실천과 생각들이 세상 어딘가에 존재하고 있다는 걸 다시금 느꼈어요.
이런 아카이브 프로젝트는 그동안 보이지 않았던 아이디어들을 가시화함으로써, 학생들에게나 다른 사람들에게 디자인 실천의 더 넓은 지형을 배울 수 있는 소중한 자료로 작용한다고 생각합니다.
[Eng]
Q1. What did you aim to document through Unrealized Archive, and why do you think it’s important to archive unrealized projects?
A. 'Unrealized Archive' originally began as part of Jon Sueda’s exhibition 'All Possible Futures'. Within that show, there was a section titled "Unrealized Archive," which collected proposals submitted to clients but were never realized. I worked with Jon on that section, and later we expanded it into an independent publication series. I believe there are now around seven or eight volumes depending on how we count them.
The starting point for the exhibition was a postcard designed by Peter Biľak, featuring a visual identity for a botanical garden. This identity was designed to adapt based on the recipient’s region, displaying a list of the local flora which were also present in the garden. At the time, it wasn’t technically feasible to produce, but the concept itself was extremely creative and sparked new ways of thinking.
I think many of us have experienced this: we present multiple ideas to a client, and they often pick the least compelling one, while stronger ideas remain unseen. This project was an attempt to gather those invisible proposals and share the kinds of experimental, thought-provoking ideas that rarely make it into the world.
Q2. Were there any interesting patterns or insights you discovered while working on Unrealized Archive?
A. At first, we had strict criteria: only projects that someone genuinely wanted to realize but couldn’t for some reason were included. Over time, though, we began to incorporate works that were speculative or experimental from the outset.
We’ll often find proposals for projects which have low feasibility or required significant resources, or they were simply too unconventional to appeal to broad audiences. For instance, Mathew Kneebone proposed turning the Werkplaats Typografie building into a radio station by using the building’s architecture as a scaled up version of a “crystal radio” which can be used without a dedicated power source. Tiger Dingsun designed a website that displayed two-word poems he had been writing over some years. These projects may have been impractical, but they clearly reflected each designer’s personal interests and values.
Ultimately, this archive offers an alternative to the typical emphasis on finished outcomes. It highlights what designers are curious about and how they think. Even though these ideas weren't realized, preserving and sharing them creates space for honoring creativity and process over product.
Q3. How did the theme of Unrealized Archive 7: From Text to Image come about?
A. This exhibition was held at WRM and developed as a continuation of the 'Unrealized Archive'. It began with the question, "Could we create an exhibition entirely through AI?" The original idea was to generate images based on text submissions from participants. However, a year and a half or two years ago, the quality of AI-generated results was much lower than today.
As the project evolved, Jon and I began reflecting on our shared appreciation for Conceptual Art. Conceptual Art focuses more on the idea and description than the final product. While generative AI is often seen as a threat in the visual arts, Conceptual Artists and Graphic Designers have long explored the relationship between text, typography, and image.
Inspired by this tradition, we curated the show around the idea of text functioning as a catalyst for visual work, and experimented with how textual information or description can become the work itself.
Q4. How do you think the storytelling method or viewer’s experience changes depending on the medium — such as web, book, or exhibition?
A. This is a topic I think about often. One piece of advice I received in grad school stuck with me: a project takes on entirely new meaning depending on the medium it's presented in. As a student, I often experimented with this by taking a project from book format and adapting it into a website or even a set of cards or kits. Each time, I gained new insights.
Every medium has its own tendencies, and engaging with those differences can be really enjoyable for designers. Among different formats, only time-based media are somewhat predictable in how they’ll be experienced. With a book or a website, people may jump around or start from the end, whereas with video, the narrative tends to unfold in sequence.
That said, even time-based formats aren’t entirely predictable anymore. People often watch videos on their phones while multitasking, like doing dishes. An anecdote I’ve heard and find really interesting is that now Netflix advises their writers to verbally explain what’s happening on screen since many people “watching” may not be looking at the screen at all. As a result, content sometimes has to be oversimplified or made repetitive. That may feel a bit discouraging, but I still think new opportunities can emerge from these evolving behaviors.
Q5. What kind of value do you think designer-led archiving, like Unrealized Archive, has in an educational context?
A. Graphic designers are constantly archiving their work through portfolios, project proposals, and competition submissions. But these processes are typically goal-oriented — aimed at presenting polished, idealized outcomes or persuading others.
What we wanted to explore was what lies beyond that polished surface. Currently, I’m teaching a class on exhibition design, and while graphic design exhibitions are relatively rare in the U.S., there are many more in Korea. Still, even in Korea, many exhibitions go undocumented and eventually disappear.
There used to be a website called "Reading Forms”, I think it was created by a student when they were in the YALE Graphic Design MFA program who collected photos of graphic design exhibitions from around the world. But once the server fees stopped being paid, the site vanished. This showed me that there's a whole world of design practice and thought that often goes unseen.
Archives like this one make those invisible ideas visible, offering meaningful resources for students and others to learn from the broader landscape of design practice.